La Galerie D'Oc Expose de l'Art Singulier.

Laure Arnould

Laure commence à peindre durant ses études de médecine 1973. En 1984 elle passe un an à travailler dans des camps de réfugiés au Honduras. Elle en rapportera les couleurs, un grand désir de vivre et un regard sur la condition humaine.

Depuis 2002 elle partage son temps entre la peinture et son métier de médecin à l'hôpital de Castres.

Dans son atelier, un pêle-mêle de toiles acryliques. Des marines, des portraits, des paysages. "Il n’y a aucune démarche intellectuelle dans mon travail. Je ne sais pas en parler. Je me fais simplement plaisir" avoue celle qui se dit toutefois "coloriste". Pas de chevalet, Laure peint par terre. "Je dois avoir quelque chose d’Africain pour me mettre dans cette position !" De cette Afrique, de ce Maroc, mais aussi d’Amérique centrale, Laure a puisé un bouillon de couleurs. Qu’elle jette sur la toile.

Pas de modèles, pas de chevalet, pas de titre...

Pas de modèles non plus. "Je me pose, j’observe, longtemps et je rentre à mon atelier… La glande permet à l’imaginaire de commencer à fonctionner." A Sète, elle aime observer le port. "Ce ne sont pas les voiliers sur l’horizon qui m’intéressent mais plutôt le fouillis de bateaux, le port merdique du côté de la criée." Pas de titre pour ses tableaux. Libres. Ils interpellent. Transpirent un vrai travail d’artiste.

Suite à un voyage à Cuba Françoise expose des agrandissements de photos.

tibili expose des horloges peintes à sa façon.

tibili et Françoise exposent leurs créations communes faites avec une imprimante 3D

Objets réalisés avec une imprimante 3 D

Les horloges de tibili

peintes à sa façon

Voyage à Cuba

Magali Trivino est passionnée par la matière, les différents états et occupation dans l’espace qu’elle peut prendre.
Cette recherche sur la matière l’amènera à l’expérimenter, la manipuler, associer celle-ci à différentes textures pour créer des effets de couleurs, et d ’épaisseurs.
Des études en arts plastiques et science de l’art lui permettront d’aller encore plus loin dans sa réflexion et d’approfondir son travail sur la matière

Jouer avec les codes de la peinture académique, mais pas trop, juste le nécessaire pour être singulière c’est ce qui m’amuse.
J’'emprunte d’autres chemins
A travers mon travail artistique je modifie la dimension de la toile créant un espace intermédiaire avec celui qui s’en approchent.
Une fenêtre, une porte s‘ouvrent.
Elles s’ouvrent pour accueillir, inviter à entrer.
Réunir différents médias dont leur mariage est improbable afin de susciter l’étonnement, la surprise, le questionnement.  
Une invitation à plonger dans un autre univers par le regard, le geste et le toucher.
Les lieux représentés ne sont pas précis, ils sont fantasmés, rêvés.
Un va et vient entre deux mondes

Cendrine Pannier

La créativité est là en chacun de nous. Pour ma part je l’ai exprimé à travers des pinceaux et des tubes de couleurs il y a une douzaine d’années environ.
Les 10 dernières années passées auprès des personnes à prodiguer des soins d’aide relationnels, le chemin de l’adoption que nous avons pris vers l’Afrique avec mon mari vers la rencontre de nos enfants ont contribué à ce que je donne différemment.
A travers la peinture un échange simple s’installe.
Je n’ai pas « choisi » je me suis laissé guider et j’ai laissé sortir ce qui veut bien sortir de moi.
Plutôt autodidacte donc j’ai beaucoup appris et apprends toujours du travail de construction fait en amont. Ensuite sur la toile une sorte de vacuité s’installe et vient alors se « laisser-aller » se lâcher-prise pour moi essentiel…
D’une façon générale j’aime me poser sur les gens qui créent et échanger j’en retire une force. Ma façon autodidacte de travailler c’est d’aller puiser en moi toujours plus loin, de défricher l’inconnu, comme une terre vierge ou chercher le sens…

Lafée
Mon parcours est simple, très active, j’ai toujours travaillé de mes pinceaux, dans la création aussi, fabrications de miroirs, coffrets, etc... J’ai par la même monté une belle association " les créateur de l'Orb" afin de promouvoir les artistes créateurs de chez moi, marchés d’Art, salons, boutiques associatives. J’ai ouvert par la suite ma propre boutique "Origin'elle" situé à la Salvetat, où j’exposais uniquement mon travail.
Après quelques années d'essoufflement, et de tracas d'la vie. Je fus contrainte d’arrêter mes activités.
Mais dans ma p'tite tête, j'’aspirais à autre chose, peindre sur une toile, j’ai essayé pas mal de choses, quelques techniques prises ici et là, sans jamais être pleinement satisfaite de mon travail...mais pourquoi ??
Et puis un jour, une rencontre, et quelle belle rencontre, Philippe Nivez un artiste à part entière. Je lui exprimais donc mon désir de peindre depuis longtemps sur des toiles, mais qu'évidemment je n’y arrivais pas, difficile de se lancer, un p'tit manque sûrement de confiance en moi.
Il m'offrit une toile, sa peinture et ses pinceaux, sa table en me disant vas y exprime toi.
Et ce fut le début pour moi d’une belle aventure picturale, où mon imagination ne cesse de parcourir ces fonds blancs où j’intègre mes couleurs en veux-tu en voilà  parce que j'aime ça la couleur.
Mon style ?? Je ne sais pas, je vais au gré de mon pinceau, voyageant entre des paysages aux maisons tordues, des personnages sortants de contes, de formes où je fais danser mes couleurs, tout ceci en harmonie.
Oh bien sûr je reste humble, j'ai encore beaucoup à apprendre, mais je suis de nature persévérante, je ne lâche rien.
Voilà en ce qui me concerne ce qui est devenu pour moi viscéral, m’exprimer en couleurs.
Je vous invite donc à partager tout ceci avec vous, en vous souhaitant un beau voyage.

Cendrine Pannier

La créativité est là en chacun de nous. Pour ma part je l’ai exprimé à travers des pinceaux et des tubes de couleurs il y a une douzaine d’années environ.

Les 10 dernières années passées auprès des personnes à prodiguer des soins d’aide relationnels, le chemin de l’adoption que nous avons pris vers l’Afrique avec mon mari vers la rencontre de nos enfants ont contribué à ce que je donne différemment.

A travers la peinture un échange simple s’installe.

Je n’ai pas « choisi » je me suis laissé guider et j’ai laissé sortir ce qui veut bien sortir de moi.

Plutôt autodidacte donc j’ai beaucoup appris et apprends toujours du travail de construction fait en amont. Ensuite sur la toile une sorte de vacuité s’installe et vient alors se « laisser-aller » se lâcher-prise pour moi essentiel…

D’une façon générale j’aime me poser sur les gens qui créent et échanger j’en retire une force. Ma façon autodidacte de travailler c’est d’aller puiser en moi toujours plus loin, de défricher l’inconnu, comme une terre vierge ou chercher le sens…

Marie Cambou

"Depuis toujours, je cherche à ouvrir les possibles, à entrer dans un espace infini, à déchirer le voile de la représentation pour libérer l’essence du mouvement.

Peindre n'est qu'une manière de déposer son regard sur les choses. L’interprétation artistique ne peut émaner que du ressenti profond de chacun".

Marie est une femme passionnée et libre. Elle semble suivre son destin au fur et à mesure de son inspiration spontanée et créatrice. Utilisant divers supports (toile, draps, etc.) et techniques (huile, acrylique, pastel sec, etc.) avec comme outils le pinceau, le couteau et aussi les mains, elle s'est créé un monde plein de vie, y compris dans l'expression de ses natures mortes, le tout très coloré et plein d'optimisme.

Son thème récurrent ? La femme telle qu'elle peut être, soit physiquement, soit imprégnée des lois ou des souffrances de la vie. Il y a chez Marie Cambou beaucoup de respect par rapport à la femme loin des clichés stéréotypés.

Par ailleurs, contrairement aux autres peintres, elle ne fixe pas l'instant en le figeant; bien au contraire, on sent dans toutes ses œuvres un mouvement perpétuel, allant du passé et très vite vers l'avenir. Sous sa simplicité réelle et sa gentillesse permanente, Marie Cambou apporte une grande touche humaniste à des tranches de vies humaines.

jeudi 3 décembre 2015

JABER PEINTRE A LA GENEROSITE FLAMBOYANTE

Voilà ce que j’espérais depuis longtemps est arrivé !
J'ai rencontré JABER à la HALLE SAINT PIERRE !
Un JABER truculent, charmant, généreux, bavard, un JABER sans aucun doute plus complexe que
le laisse croire son apparente joie de vivre .
Un JABER facétieux et humaniste, un JABER un peu médium aussi !
Cette rencontre a eu lieu quelques jours avant l'exposition rémoise à l'Hôtel Ponsardin et la présentation de l'incroyable collection d'Alexandre Donnat ...

" Jaber EL MAJOUB est né en 1938 dans une famille de bergers de M'Saken (banlieue de Sousse) en Tunisie. A l'âge de 6 ans il a perdu sa mère et a été pratiquement élevé par sa sœur. Il n'a pas pu fréquenter l'école car il devait garder les animaux pour nourrir sa famille. Il n'a donc jamais pu apprendre à lire et écrire.
En 1958 il prend la direction de Marseille et y travaille comme boulanger avant de monter à Paris deux ans plus tard. Les petits enfants du boulanger de la rue des Blanc-Manteaux se souviennent encore de lui, car le grand-père a soigneusement conservé quelques pièces de Jaber. En effet dès qu'il avait une pause, il dessinait par terre au charbon de bois et faisait cuire la pâte à pain en forme d'oiseau, de poisson ou de fleur.
L'après-midi, il vendait ses gouaches et amusait le public place St Michel. Il s'intéressait aussi à la boxe et a effectué 17 combats. Ses talents de chanteur-auteur-compositeur lui ont ouvert les portes du Petit Conservatoire de Mireille. Il enregistra deux 45 tours chez Pathé-Marconi.
Quelques années plus tard, il fut découvert par une riche américaine qui l'emmena en Amérique.
Elle avait découvert à juste titre qu'il avait la carrure pour devenir un artiste de dimension internationale. Ils se sont mariés rapidement et Jaber reçut une galerie des mieux placés à San Francisco. Au bout de quelques mois, la galerie était devenue le lieu de rendez-vous de tous les adeptes de la scène flower-power et le commerce ne le souciait guère. Il préférait offrir ses travaux. En 1971, il obtenait le premier prix de peinture parmi 800 candidats au Plainfield Art Festival.
Il devint célèbre, mais son mariage fut un échec.

Retour à Paris il exposa en 1977 au American Center of Artists qui relançait sa carrière à Paris. Ses amis et collectionneurs le firent participer ou organisèrent pour lui de nombreuses expositions prestigieuses. Il entra dans bon nombre de collections privées et publiques de par le monde et figure dans tous les Musées consacrés à l'Art Brut ou Outsider. Comme pour de nombreux artistes, sa période de gloire connut son déclin avec la crise de fin des années 1990. Les galeries qui le défendaient disparurent.
Au lieu de se lamenter, il prenait son sort en main en vendant à nouveau ses gouaches cette fois dans le quartier Beaubourg, nouveau haut lieu de l'art contemporain."

ANDRÉ ROBILLARD, L'ART BRUT POUR TUER LA MISÈRE - Christian JAMET

ANDRÉ ROBILLARD, L'ART BRUT POUR TUER LA MISÈRE - Christian JAMET

André Robillard, né le 27 octobre 1931 près de Gien, est un des incontournables représentants de l'art brut, notion définie par le peintre, sculpteur et plasticien Jean Dubuffet (1901-1985) qui désignait par là un art spontané, pratiqué par des malades mentaux ou des autodidactes en dehors des circuits culturels.

   C'est Dubuffet lui-même  qui a reconnu André Robillard comme un artiste d'art brut, lorsque le psychiatre Paul Renard lui a présenté un fusil de son patient, confectionné, en mars 1964, à partir d'objets de récupération. André Robillard était alors ouvrier à l'hôpital psychiatrique de Fleury-les-Aubrais, dans la banlieue d'Orléans, où il avait été soigné.

  Pour André Robillard, l'art a « tué la misère », selon sa propre expression, puisqu'il lui a permis de surmonter son mal-être et de devenir un homme heureux de créer dans l'enceinte du centre hospitalier qu'il n'a jamais quitté. Ses fusils ont aujourd'hui fait le tour du monde et son activité artistique s'est diversifiée (dessin, musique, théâtre).

    Plus que l'œuvre, dispersé dans  plusieurs musées et collections particulières, c'est l'homme qui nous est présenté dans cet ouvrage, à travers ses propos et des images de son univers.

André Robillard, dernier membre survivant de la collection originale de Jean Dubuffet, fête ses 90 printemps ce 27 octobre 2021 ! L’occasion pour Polysémie de mettre à l’honneur cet artiste extraordinaire …

Né en 1931 à Gien, André Robillard a commencé à créer à l’âge de 19 ans, alors qu’il venait d’entrer dans un établissement psychiatrique. Autodidacte, il utilise les matériaux à sa disposition : papier, bien-sûr, mais aussi, draps, taies d’oreillers, serviette séponges

… Très influencé par la télévision, il s’intéresse à la conquête spatiale, thème récurrent de son oeuvre.

Inclus au personnel de l’hôpital en tant que jardinier en 1964, il glane aussi aux abords de l’établissement, où il a établi son atelier, les pièces qui lui servent à créer ses fameux fusils, inspirés par son père garde-forestier, qui lui a aussi transmis sa passion des étoiles.

 Robillard fait de ces fusils, destinés à « tuer la misère » plutôt que les humains, l’une de ses créations récurrentes. Boites de conserves, morceaux de bois, ampoules usagées, paquets de cigarettes ou même animaux en peluche servent sa pratique originale. En 1976, certaines de ses oeuvres sont envoyées par son psychiatre à Jean Dubuffet, qui décèle en lui le potentiel d’un véritable artiste d’art brut et envoie les pièces au Musée de Lausanne. Le directeur du musée, Michel Thévoz, l’encouragera quelques années plus tard à poursuivre son travail et c’est à l’occasion d’une visite du musée que Robillard commence à fabriquer des animaux et cavaliers en bois, venant prendre la suite de ses figurines de cosmonautes et d’engins spatiaux.

Reconnu internationalement, mis à l’honneur au sein de plusieurs collections d’art brut et contemporain (la Collection de l’Art Brut de Lausanne ou le LaM Lille Métropole) et à l’occasion de plusieurs expositions (l’exposition du Museum of Everything au MONA en Tasmanie, « L’envol ou le rêve de voler » à la Maison Rouge à Paris, à la Criée de Marseille …), l’artiste « bricoleur » a été décoré en 2015 des insignes de chevalier des arts et des lettres.

grâce à une carte postale »

Avec André Robillard, en compagnie, Henri-François Imbert dresse le portrait d’un artiste reconnu pour son art brut, vivant depuis des décennies dans un hôpital, et qui doit beaucoup à la psychothérapie institutionnelle.

Dans André Robillard, en compagnie, on voit un fusil géant trôner au cœur de l’hôpital. Son créateur précise : comme « la tour Eiffel à Paris ». Celui-ci est internationalement connu dans la catégorie « art brut ». Il est aussi le plus ancien résident de l’hôpital psychiatrique de Fleury-les-Aubrais, où il a été admis à l’âge de 19 ans, en 1949. Henri-François Imbert entretient avec André Robillard une très ancienne relation. Il a déjà tourné avec lui André Robillard, à coup de fusils !, en 1993. Puis André Robillard, en chemin, en 2013.

André Robillard, en compagnie, Henri-François Imbert, 1 h 32.

Ce nouveau film prolonge ce compagnonnage et donne à André Robillard toute sa dimension, sa profondeur. Ce qui apparaît d’abord, c’est un être attachant et singulier, à son aise dans cet hôpital qu’il connaît comme personne, où il a « ses » poules et « ses » roses, et où il s’est épanoui. Le créateur de sculptures représentant des fusils, des spoutniks et des animaux, auteur de nombreux dessins, est aussi devenu acteur dans le spectacle d’Alexis Forestier, Changer la vie, qui lui est grandement consacré, de manière poétique. Le documentariste montre Robillard et Forestier sur scène, précis, solidaires, attentifs l’un à l’autre. C’est d’ailleurs l’une des marques d’André Robillard : tout artiste reconnu qu’il est, il reste tourné vers les autres. Dans une scène très émouvante, une jeune psychotique, suicidaire, faisant sa connaissance, dit : « Il a dû en chier. Il le fait comprendre mais ne le montre pas. »

Ce film révèle aussi l’arrière-plan du parcours extraordinaire de cet homme : la psychothérapie institutionnelle, qui « permet à chaque personne en souffrance de trouver sa place en exerçant un métier, une fonction par laquelle elle [est] reconnue », dit le cinéaste dans une voix off aux accents intimes, comme elle l’était dans Doulaye, une saison des pluies (1999) ou No Pasaran, album souvenir (2003). André Robillard et Henri-­François Imbert ont un point commun évident : ces deux artistes nous sont précieux.

Comment avez-vous rencontré André Robillard ?

Henri-François Imbert : Quand j’étais jeune, non loin de chez mes parents, il y avait un musée, L’Aracine, où j’ai découvert l’art brut. Chaque créateur y était décrit par des cartels résumant son parcours. L’un d’eux était André Robillard. J’étais touché par ces artistes qui avaient des expériences de la psychiatrie, de l’isolement, de l’exil, de la prison parfois…

Comme je me suis mis à filmer des expositions dans ce musée, un jour, la directrice m’a proposé de rencontrer André Robillard. J’avais vu ses œuvres, que je trouvais très fortes. Je suis allé le voir et j’ai eu instantanément du plaisir à être avec lui et à le filmer. Je l’ai rencontré dans l’hôpital psychiatrique où il vit depuis très longtemps. J’étais assez jeune et n’avais jamais côtoyé des gens ayant ce type de parcours. André était « chez les fous », comme on dit. En même temps, il était très sensé, accueillant et constructif par rapport à notre échange. Rencontrant André Robillard, j’avais tout à apprendre de lui sur l’art brut, la vie à l’hôpital…

C’est avec lui que vous avez réalisé votre premier documentaire…

Avant, je filmais en Super 8 un peu sur le mode du film de voyage ou de famille, comme une pratique d’amateur qui ne s’est éclairée que lorsque je suis retourné à l’université faire un DEA avec Dominique Noguez, qui m’a fait découvrir le cinéma de Jonas Mekas. Je me suis rendu compte que ce que je faisais de manière un peu obsessionnelle pouvait être du cinéma.

C’est pour filmer André que, pour la première fois, j’ai emprunté une caméra vidéo. Je pensais m’en servir pour les repérages, puis réaliser le film en 16 mm. Mais finalement, me sentant très à l’aise, j’ai continué avec la vidéo, seul, et c’est encore comme cela que je tourne aujourd’hui, même si je mêle dans tous mes films des images en Super 8, en 16 mm et des photos.

Pourquoi faire un troisième film avec André Robillard ?

Le premier porte sur André Robillard artiste : on ne sait même pas qu’il vit dans un établissement psychiatrique. Dans le deuxième, il raconte sa vie à l’hôpital, mais j’avais déjà commencé à filmer ses aventures théâtrales, en particulier quand Alexis Forestier et lui sont allés jouer à l’hôpital de Saint-Alban, où s’est développée la psychothérapie institutionnelle, et j’ai pensé qu’il fallait relier l’histoire d’André à celle de cette discipline, qui explique en partie comment le parcours d’André Robillard a été possible. L’hôpital de Fleury-les-Aubrais porte d’ailleurs le nom de Georges Daumézon, le psychiatre qui a inventé l’expression « psychothérapie institutionnelle ». Si André devait vivre ailleurs, il irait certainement moins bien : l’intelligence de l’hôpital, c’est de l’avoir compris. Et cela ne coûte pas plus cher qu’un appartement thérapeutique.

André Robillard connaît-il cette histoire, celle de la psychothérapie institutionnelle, dont il est issu ?

Il a conscience en tout cas d’avoir bénéficié d’une période favorable durant laquelle des soignants étaient disponibles, attentifs. Il dit d’ailleurs dans le film, un peu pour se faire peur, qu’aujourd’hui les choses ne tourneraient peut-être pas de la même manière pour lui.

Ce qui lui est arrivé est très étonnant…

André a découvert qu’il était artiste grâce à une carte postale reçue de Lausanne où était représentée une de ses œuvres. Il ignorait totalement que ses œuvres étaient conservées et exposées. Paul Renard, son psychiatre dans les années 1960, avait pris contact avec Jean Dubuffet et lui avait envoyé les deux premiers fusils conçus par André. Dubuffet était en train de créer sa collection d’art brut, inspirée par les travaux de Hans Prinzhorn, l’un des premiers psychiatres à étudier et à collectionner l’« art des fous ». Cette collection accueillait, plus largement, les œuvres de personnes « indemnes de toute culture artistique ». Au milieu des années 1970, Dubuffet en a fait don à la ville de Lausanne. Michel Thévoz, qui apparaît dans le film, en est devenu le conservateur. C’est lui qui a voulu savoir si André Robillard était toujours vivant et lui a fait parvenir cette carte postale. La vie d’André en a été bouleversée.

Jean François AUBERT

 Une feuille de papier mise en boule, froissée, écrasée, humanisée à minima par l’artiste, deviendra un … « Foparèstélà » … , expression de l’exclusion et du rejet. Petites gens, gens de peu … Ils s’exprimeront avec naïveté et humour sur les grands thèmes de la condition humaine, de l’environnement, la philosophie, la littérature, l’art … Si certains sujets traités sont très sérieux, l’expression de moults petits bonheurs reste très présente.
La technique de l’embossage papier est employée en permanence, pour toutes les œuvres papier de petit format. Coloration, pochoir, collages, viendront compléter et finaliser l’œuvre. Pour les toiles plusieurs techniques seront mises en application (Mixed Média).
Des mots ou des textes sont inclus dans l’œuvre. Le « Dire « … y dispose d’une très grande place.

Et puis des centaines d’autres GESTES et TECHNIQUES pour exprimer mes envies, mes révoltes,…

DESSINATEUR INDUSTRIEL à l’origine (Etudes)
PHOTOGRAPHE Artisan Commerçant pendant 22 ans
ARTISTE PLASTICIEN depuis 20 ans (Maison des Artistes)